« L’Art pour l’Art, c’est bien mais l’empathie, c’est mieux… »

P.S. : La traduction française de Gilberte Lambrichs est de grande qualité.

Je me bornerai à refuser de parler de la chute d’Holden comme je l’ai souvent lu, d’abord pour une raison topographique car si Holden était en bas parce qu’il aurait chuté, il ne pourrait revendiquer d’être en haut et  justifier de son titre de Catcher in the Rye.

Plus intensément cependant, cette idéologie de la « chute » (à la David Copperfield) me rangerait dans le camp de ce « bon » Professeur Antolini, double positif du Professeur Spencer , et  je refuse d’intégrer cette unité dialectique et cette symétrie du moins et du plus.
Car je discerne dans l’attrape-coeurs d’autres voies (voix?), celles qui jouent dans les interstices des pensées tranchées, notamment celle de l’ascension de Holden qui lui permet, en dépit de toutes les atteintes à sa sensibilité, de parvenir à confier à un magnétophone ce récit éthique du refus de la compromission, éthique utopique et cependant confirmée dans les faits par l’attitude intransigeante de l’auteur dans sa vie personnelle.

P.S. : le DVD de ce très beau film semble malheureusement introuvable, (pourquoi?), seul est disponible le livre d’Actes Sud.

P.S. (bis) : J’apprécie aussi que ce film français parle russe avec le français en sous-titre. Quel bel exemple d’une identité nationale magnifiée !

Un homme âgé, dont les forces déclinent, tente de livrer à un jeune homme, pour lui une espèce de fils adoptif, la synthèse de toutes ses expériences accumulées sur les femmes, les hommes, la société afin de lui transmettre la possibilité de le relayer non seulement sur le plan de la conscience du monde mais aussi sur celui du transfert de l’énergie nécessaire à la transformation d’une pensée en acte.

Pour le jeune homme, il s’agit d’une difficile initiation tendant à lui faire recouvrer son indépendance et sa vérité personnelles, indépendantes des manipulations de toutes sortes, en essayant de comprendre les raisons de l’Autre qui pense différemment de lui. Cette prise de conscience, évidente à la fin du film où le jeune homme se pose enfin les vraies questions, donne à penser qu’il disposera désormais des moyens de se construire lui-même lorsque le vieil homme ne sera plus à ses côtés.

Ce film est le pendant de Manhattan. C’est donc un grand film de Woody Allen.

Dans Manhattan, une adolescente faisait prendre conscience à un adulte des choses importantes de la vie, dans anything else, c’est cet adulte devenu vieux qui, à son tour, transmet son savoir dans ce qu’il a de plus essentiel à un homme jeune.

Ainsi, d’un film à l’autre, la boucle est bouclée.

Lorsque de grands écrivains ont évoqué la Shoah, ils l’ont fait dans le langage même qui avait permis la conceptualisation de cette horreur. Une horreur qu’un style classique ne peut qu’amoindrir puisqu’il traduit cette horreur en termes humains. Or il s’agit de dire l’inhumain de l’humain et cela ne se peut qu’avec un langage qu’on va chercher au plus loin des âges, un langage télescopé plus proche de la voix que de l’écrit, la voix qui crie, la voix qui hurle, la voix qui donne de la voix au papier imprimé…
Le prodige poétique que réalise Federman est de créer ce véritable langage de l’horreur où les mots se coincent, se recroquevillent, se cachent comme lui-même le fut dans ce débarras où ses parents l’avaient jeté pour échapper aux nazis qui venaient les arrêter.
Federman crée en quelque sorte une poésie mâchefer, poésie se souvenant de la flamme, poésie se souvenant de son incinération.

P.S. : Raymond Federman a rédigé une version anglaise de ce livre sous le titre de : the voice in the closet. Elle est, en général, associée à la version française.

Le jeudi 10 décembre 2009, je me suis rendu au Festival du film de Vendôme pour assister à une projection du film de Monte Hellman, « the shooting« , film que j’apprécie particulièrement et dont je possède le DVD mais je me faisais une joie de le voir pour la première fois dans une salle de cinéma.

La présentation du film par le festival m’avait intrigué et inquiété. En effet, il s’agissait, disait le programme, d’un ciné-concert (mais que je sache « the shooting » n’est pas un film muet et il dispose déjà de sa propre musique voulue par le réalisateur) revisité, oui c’est bien ça revisité -c’est ambitieux- par « la bande de beach boys écorchés que forme French Cowboy » mais j’ai été un peu rassuré par la qualification de « the shooting » comme un « western bressonien » et que de plus cette « création » (oui, oui, création, je ne me suis pas assez méfié de ce terme redondant) était réalisée en partenariat avec l’Astrolabe d’Orléans. Tant de talents conjugués ne pouvaient que servir l’oeuvre, me suis-je dit.

J’ai dû  déchanter dès le générique (où l’action débute sur le champ) car je me suis immédiatement aperçu que « the shooting » n’était que le prétexte d’un concert pour un public acquis à la cause de cette musique, et non à celle du cinéma. Avec ces fréquentes interventions totalitaires, le film se révélait complètement incompréhensible, écrasé qu’il était sous ce déferlement sonore.

Je doute qu’un spectateur, même lucide, voyant « the shooting » pour la première fois,  ait pu comprendre ou même ressentir quelque chose d’un film, tout en subtilités, lesté d’un pareil poids de décibels.

Le film de Monte Hellman, en effet, devenait, au fur et à mesure de sa projection, un prétexte servant de faire-valoir aux musiciens. Qui plus est, et summum de la trahison, la bande son du film était coupée pour ne laisser place qu’à cette improvisation musicale prioritaire et aux sous-titres français, les voix des acteurs ayant disparu pendant ce laps de temps.

Le pire de tout cela, c’est que la salle entière m’a semblé acquise à cette trahison, faite, sans aucun problème de conscience, sous l’égide d’un festival de cinéma.

J’ai eu l’impression, avec mon épouse, d’être dans la situation des héros de « mortal storm » de Borzage qui demeurent assis quand la salle entière se lève. C’est terrible.

Nous sommes partis à la fin de la séance quand tout le monde restait à attendre la suite d’un concert qu’un film ne perturberait plus.

En conclusion, puisqu’il s’agissait d’un western défini par ce festival comme bressonien, je ne doute pas que l’année prochaine, au festival de Vendôme, nous verrons « Balthazar » ou « les dames du Bois de Boulogne » (dont on aura enfin coupé le sifflet)  revisités et recréés avec du rap, une fanfare ou, pourquoi pas, c’est ce que je préfèrerais, une kyrielle de femmes nues sur scène.

Ce sera épatant !